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miércoles, 7 de diciembre de 2011

Borges. Arte poética

 


Quien dijio que Jorge Luis Borges (1899-1986 ) no era uno de los grandes poetas en lengua castellana del siglo XX .
Su arte poética de río, tiempo y agua sublima a Becquer, Campoamor , Unamuno y Manuel Machado para sumergirnos en el jardín de senderos que se bifurcan, en el tiempo que envuelve la condición humana , en el sueño que es a un tiempo, vida y muerte .
y en medio del camino, siempre la poesía, inmortal y pobre , hecha con jirones de vida y sentimientos .
Siempre Borges, leer sus palabras es recorrer los vericuetos de la belleza .



BORGES




 " Mirar el río hecho de tiempo y agua
y recordar que el tiempo es otro río,
saber que nos perdemos como el río
y que los rostros pasan como el agua.

Sentir que la vigilia es otro sueño
que sueña no soñar y que la muerte
que teme nuestra carne es esa muerte
de cada noche, que se llama sueño.

Ver en el día o en el año un símbolo
de los días del hombre y de sus años,
convertir el ultraje de los años
en una música, un rumor y un símbolo,

Ver en la muerte el sueño, en el ocaso
un triste oro, tal es la poesía
que es inmortal y pobre. La poesía
vuelve como la aurora y el ocaso.

A veces en las tardes una cara
nos mira desde el fondo de un espejo;
el arte debe ser como ese espejo
que nos revela nuestra propia cara.

Cuentan que Ulises, harto de prodigios,
lloró de amor al divisar su Ítaca
verde y humilde. El arte es esa Ítaca
de verde eternidad, no de prodigios.

También es como el río interminable
que pasa y queda y es cristal de un mismo
Heráclito inconstante, que es el mismo
y es otro, como el río interminable."

jueves, 3 de noviembre de 2011

Ideas para los ciudadanos



Con uno de los títulos más afortunados de los últimos tiempos, (Diccionario del ciudadano sin miedo a saber) el filósofo Fernando Savater ha reunido un grupo de conceptos de presencia común en la vida pública y aún en la privada: derecha / izquierda, laicismo, Estado, nacionalismo. El libro recién publicado por Ediciones Ariel es muy breve, cada concepto es descrito con ligeras pinceladas que sin embargo tienen una doble virtud, la primera es que definen a la perfección el tema y trazan su escenario básico, la segunda es que provocan, con inteligencia, el pensamiento .
Por supuesto, cabe la reflexión, el debate y la discrepancia sobre alguno de los trazos, pero ese es primordialmente el objeto del libro. No se trata de afirmar un discurso sino de conseguir que los ciudadanos se comporten como tales, es decir, que piensen por sí mismos, se esfuercen para obtener un conocimiento, opinen con libertad teniendo en cuenta, pero sin aceptar ciegamente, la dirección de la llamada con falacia “opinión pública“. 
El imperio de la corrección política, la banalidad del pensamiento débil y el empeño de algunos políticos en procurar que este estado de cosas persista, seguramente para no tener que rendir excesivas cuentas de su gestión, ha degenerado en un problema considerable que tiene una doble vertiente, el divorcio cada vez mayor entre la clase política y el ciudadano consciente y responsable, y la notoria superficialidad y falta de rigor en los debates sobre la cosa pública. Es como si fuera del Gran Hermano o del Gran Corazón no hubiera vida inteligente.
El empeño de Fernando Savater nos pone en la pista de la necesidad de que cada uno de nosotros reflexione sobre los asuntos realmente importantes en la vida, en el pensamiento, el arte, la cultura y la política. Y si algunos se atreven a dar el paso, que no se conformen sólo con la reflexión en soledad, sino que lancen sus palabras y propuestas al conjunto de la sociedad.
¿Y si cada uno de nosotros construyera una especie de diccionario personal para la vida ciudadana? Sólo dos condiciones: todos los temas son posibles, sin censura, y todos los temas exigen un estudio previo que permita un mínimo rigor, el buen ciudadano es todo lo contrario a un demagogo o un agitador que desde una esquina o desde el cóctel elegante de un salón, se dedique a expandir sus soflamas.
A modo de ejemplo:
1. La idea de España (o de Francia, o de Europa, o de América). 
2. La política antiterrorista. En España y en el mundo: ¿debemos pensar que es algo que atañe a otros – a Estados Unidos por ejemplo, aunque luego se le critique con alucinada frivolidad - o es deber de todos, personas y naciones, el compromiso?
3. La ley electoral. ¿Y si examinamos el sistema mayoritario a doble vuelta comenzando por las elecciones municipales, las que eligen a los representantes más cercanos al ciudadano?
4. Las bases de la cultura.
5. La misión del Estado. ¿O acaso no es su progresiva limitación sobre todo en los ámbitos donde debe actuar la iniciativa privada?
6. La política internacional en el siglo XXI. ¿Se puede comentar en un programa de TV sin la menor reflexión, casi como “boutade“, pero al parecer en serio, que Estados Unidos es un “imperio en decadencia” y que el futuro es “China“. ¿Deben los titulares eliminar la obligación de estudiar los asuntos?
7. La reforma educativa. ¿Quién decide el modelo de ciudadano hacia el que se supone se debe dirigir la educación? ¿Hay uno o varios modelos? ¿Se puede imponer desde el Estado?
8. Civilización. Se habla de “Alianza de civilizaciones“, pero ¿todo es civilización o el término exigiría unas condiciones previas?. Acaso no debiéramos atrevernos a definir la civilización y distinguirla de lo incivilizado, aunque sea políticamente incorrecto.
9. ¿Qué significa la política de género? ¿Acaso el género ha sustituido a la persona? Para ello, naturalmente, habría que estudiar la concepción de persona y de vida humana. 
10. Religión. A Dios lo que es de Dios y al César lo que es del César. Pero ¿quién es Dios y quién es el César? ¿Podemos fundamentar una ética exclusivamente en el ser humano y extraer de allí sus principios generales? ¿Acaso la ética no exige un criterio de permanencia? Y la permanencia ¿no conduce a lo trascendente?
El pensamiento conservador es analizado agudamente por Fernando Savater, aunque es necesario un matiz, la diferencia nuclear entre la derecha y la izquierda (si es que ambos vocablos conservan algún sentido en una ciudad donde los ciudadanos tienen problemas para saber, algunos incluso sufren amenazas) no estriba tanto en la solución económica pública o privada, sino en una idea filosófica. El conservador cree que dentro del movimiento  hay un ente que permanece, es el “ser” de Parménides. Su antagonista, como Heráclito, renuncia al ser y lo cifra todo en la continua revolución, en el cambio permanente.
En definitiva, el ciudadano que ha de saber es el que necesita aprender, y en ese eterno proceso de aprendizaje uno puede aspirar a encontrar respuestas, o por lo menos a hacerse las preguntas, las eternas cuestiones: quien soy yo, qué va a ser de mí.

domingo, 2 de octubre de 2011

Ortega y Gasset en Estados Unidos


En el mes de Julio de 1949 el filósofo español José Ortega y Gasset fue invitado a la conmemoración del bicentenario de Goethe que se iba a celebrar en Aspen (Colorado). Ortega, admirado en Alemania y Argentina, viajero de Europa, emprendía su primer y a la postre único viaje a los Estados Unidos, en plena posguerra, cuando la nación americana se había convertido ya de forma indudable en la gran superpotencia del mundo occidental.
El corresponsal de ABC, José María Massip, resumió la breve pero fecunda estancia del autor de “La rebelión de las masas“ en Aspen: “Expuso ampliamente sus ideas para un Instituto Internacional de Humanidades y encontró una gran acogida.
Pensaba que un Instituto de este tipo, en gran escala, y apoyado en el máximo prestigio y rigor intelectual, compensaría hasta cierto punto el desequilibrio creado por el tecnicismo americano y la mística materialista del comunismo. Podría haber vuelto a Estados Unidos cuando quisiera y habría encontrado aquí toda clase de apoyos y el dinero necesario para llevar adelante su vasto proyecto“.
“La rebelión de las masas“ había sido traducida en 1932 y publicada en Estados Unidos, fue reeditada en 1950 y 1951 en ediciones populares que vendieron millones de ejemplares. También había tenido gran difusión “Misión de la universidad “, traducida  por la Universidad de Princeton y publicada en 1944. La fuerte personalidad, el carisma y la elegancia de Ortega cautivaron a los universitarios e intelectuales americanos, y el filósofo español salió con una idea renovada de aquella realidad que por primera vez se extendía ante sus ojos. “Pase lo que pase en Europa – escribió Ortega – la cultura occidental tiene asegurada aquí, en Estados Unidos, su continuidad “. “Esto – añadió – no es una superestructura civilizada colocada sobre un pueblo elemental, sino un conjunto orgánico de gran trascendencia “.
Ortiga impartió dos conferencias, el primer día abriendo la sesión que luego cerró Alberto Schweitzer, (en la segunda sesión fue al revés). A Ortega le presentó Robert Hutchins y la intervención iba siendo traducida nada menos que por Thornton Wilder. Los temas fueron: ”Sobre un Goethe bicentenario“ y “Goethe sin Weimar“. El auditorio estuvo compuesto de casi dos mil personas, universitarios,  intelectuales y estudiosos de la cultura. En una carta escrita a su hijo, el médico Miguel Ortega, fechada el 22 de julio de 1949, resume: “Todo ha ido inesperadamente muy por encima de lo que cabía esperar“.
En Aspen, además, Ortega conoció a Gary Cooper que veraneaba en un hotel de las Rocosas. El filósofo y el actor compartieron largas horas de conversación sentados en la terraza del hotel. Ortega le pidió a Gary Cooper una de sus camisas de “hombre feliz”, para contradecir la fábula que señalaba que los hombres felices no tenían camisa.  Días después, cuando Ortega estaba alojado en el Hotel Plaza de Nueva York, recibió una camisa vaquera del actor, y una nota donde le pedía que le enviase- a su vez – una camisa suya, de hombre también feliz en la vida intelectual.
Ortega entró en contacto con la Fundación Rockefeller y el mecenas y millonario Walter Paepcke, promotor  entre otros, del Instituto Tecnológico de Illinois. El mediador era Jaime Benítez, rector de la Universidad de Puerto Rico. Durante los dos años siguientes continuaron las gestiones de las que quedan notas y documentos en los archivos del “Aspen Institute for Humanistic Studies”, pero no pudo fructificar.  Quedaron – al menos – varios artículos de Ortega publicados a partir de agosto de 1949 en diversos medios intelectuales americanos y diversos proyectos inconclusos como la participación del filósofo en la prestigiosa revista “National Review “ que se hubiera materializado pero que quedo cercenada tras la muerte de Ortega en Madrid  en octubre de 1955.
Como en muchas otras facetas, la obra inconclusa de Ortega fue continuada por Julián Marías que a partir de 1951 pasó largas temporadas impartiendo muchos cursos orteguianos en Estados Unidos. La razón vital estaba ya inexorablemente en marcha.

viernes, 2 de septiembre de 2011

El cine de Julian Marías






A lo largo de varias décadas Julian Marías  (1914-2005 ) escribió artículos de cine en diversas publicaciones como “LA Gaceta Ilustrada  y “ABC “ . Luego aparecieron en forma de libros : “Visto y no visto” y “El cine de Julián Marías “.
Ya en “Introducción a la filosofia “ 1947 e “Imagen de la vida humana “ 1953 , Marías reflexionaba sobre la importancia y posibilidades del cine en la vida contemporánea . Aplicando los esquemas de la razón vital – la vida como realidad radical y la razón narrativa como método de conocimiento – encontramos que el cine presenta originales escorzos de vida humana ; el cine , al fin y al cabo, cuenta historias y sirve para ampliar de forma extraordinaria el horizonte vital de las personas .
   Julián Marías lo expresaría de forma diáfana : “Y entonces descubrí algo inesperado y acaso aún más interesante : que puede haber una antropología cinematográfica , porque el cine es, con metodos propios, con recursos de los que hasta ahora nadie había dispuesto , una indagación de la vida humana “.  En el año 1992 , y siguiendo esta estela creada por el maestro, escribí “Antropología del cine “ (Editorial CILEH ) donde traté de desarrollar los sugestivos caminos de una visión antropológica humana a través del séptimo arte .
  El cine , en definitiva, es como un mirador, la perspectiva cinematográfica primaria , “ permite la contemplación de la escena – la calle en este caso- sin sacarnos de ella “.
  La riqueza de los articulos de Marías ( que recordaba cómo intentó inspirar el amor al cine a su maestro Ortega  a quien de vez en cuando llevaba a las salas de proyección )  dedicados al  séptimo arte  es inmensa . Reflexiones sobre el sentido épico de la vida cotidiana ( un homenaje al “western “ ),, el tiempo, la recreación de los mitos la visualidad y la imaginación, constituyen todo un cuerpo de antropología cinematográfica de extraordinaria riqueza y originalidad.
  Y los comentarios sobre películas, Marías admiraba a Chaplin y a Keaton, a Greta Garbo ( “ genialidad “ es su nombre ..esa escena mágica de su rostro en Queen Christine  ) y a Marlene Dietrich, a Gary Cooper , Spencer Tracy, Ingrid Bergman ,  Charlton Heston y John Wayne ,   obras maestras como “San Francisco  “ de W.S.Van Dyke, “Las campanas de Santa María “ de Leo McCarey , “LA fiera de mi niña “ de Howard Hawks,  el cine entero de John Ford, Fritz Lang, Carl Theodore Dreyer, el “western “, las adaptaciones de Simenon , la imaginación de Berlanga, las mejores obras de Rafael Gil (Eloisa está debajo de un almendro ), ... es antológico su extenso comentario sobre “El Cid “ de Anthony Mann, una de sus películas favoritas, (“tres horas en la Edad Media “, la denominó )... y por supuesto Hitchcock, Vidor,  De Mille, Capra, Wyler, Billy Wilder, lo mejor de Fellini , Renoir, Visconti ...  Era consciente del generalizado descenso de calidad del cine moderno , pero gustaba las buenas aportaciones de Coppola, Scorsese, Steven Spielberg , Woody Allen o José Luis Garci.
  Pasear por las páginas de “El cine de Julian Marías “ (Royal Books  1994 ) es una delicia, un viaje apasionante por hermosas películas descritas con lenguaje sencillo, con estilo personal, con la inocencia de un espectador culto que trata al cine con respeto y admiración . Marías contaba a menudo que él iba al cine por placer , no por obligación . Este placer se trasluce en sus escritos de cine y se contagia de forma maravillosa al lector . Es la magia de la escritura, y desde luego el maravilloso y sencillo talento de Julian Marías para recrear las imágenes de la vida humana .



viernes, 19 de agosto de 2011

Palabras del corazón





" Hay palabras que solamente sirven para entretener, y pasan como el viento; otras instruyen la mente en algunos aspectos; las de Jesús, en cambio, han de llegar al corazón, arraigar en él y fraguar toda la vida. Sin esto, se quedan vacías y se vuelven efímeras. No nos acercan a Él. Y, de este modo, Cristo sigue siendo lejano, como una voz entre otras muchas que nos rodean y a las que estamos tan acostumbrados. El Maestro que habla, además, no enseña lo que ha aprendido de otros, sino lo que Él mismo es, el único que conoce de verdad el camino del hombre hacia Dios, porque es Él quien lo ha abierto para nosotros, lo ha creado para que podamos alcanzar la vida auténtica, la que siempre vale la pena vivir en toda circunstancia y que ni siquiera la muerte puede destruir "
BENEDICTO XVI



El incomparable espectáculo de la Jornada Mundial de la Juventud (JMJ Madrid 2011 ) ha demostrado que por encima de la crisis permanente, la pérdida de valores y las agresiones de un grupo activo de intolerantes y perroflautas - demasiadas veces amparados por ciertos gobiernos empeñados en romper la tradición cristiana - hay un lugar para la esperanza .
  Las palabras pronunciadas por El Papa Benedicto XVI han tenido la virtud de alcanzar el núcleo del sentido de la vida : Quien soy yo , Qué va a ser de mí ?
   Pero el lenguaje de Su Santidad no es el habitual de los políticos " correctos ", ni de los expertos en demagogia , sino que resulta duro, exigente y tal vez por eso movilizador e ilusionante .
  Hay palabras que llegan al fondo del corazón,  no son las simples que sirven tan solo para la evasión y la superficialidad, sino las profundas que interpelan lo más hondo del ser humano . Esa palabra de vida se resume en retos formidables :
- Los proyectos se edifican sobre roca consistente no sobre arenas movedizas
- La verdad es el anhelo supremo de la existencia, una verdad que supone unos valores, unos criterios y un esfuerzo permanente .
-La humildad nos hace reconocer que no somos dioses , sino criaturas creadas por Dios a su Imagen y Semejanza .

  Pero Benedicto XVI fue aun más allá al señalar que la Verdad no es un resumen de doctrinas o de proclamas , el núcleo de la verdad es intensamente personal, es decir nos afecta a cada uno de nosotros y su núcleo reside en la PErsona de Cristo . "Yo soy el Camino, La Verdad y La Vida " .

  Cada generación, cada época ha sufrido sus crisis - nada hay nuevo en la historia de la Humanidad - incluso las dudas y la negación de la verdad : "Qué es la verdad " , se preguntaba hace dos mil años Poncio Pilatos . Sin embargo en este siglo XXI la pérdida de criterio ha sido a menudo propiciada desde el poder , tal vez como truco para desarmar a la persona y convertirla en esclava , primero de su propio ego , después del mismo Poder . Solo desde esta diabólica perspectiva se pueden comprender los desaforados ataques de algunos a la figura del Papa, a todos los cristianos y a sus símbolos . ¿De qué tienen miedo - cabría preguntarse - ?. Seguramente de que esa tradición, esos valores enraizados en el corazón y en el alma , son los antídotos más eficaces contra el relativismo radical, el laicismo agresivo ( nada que ver con el sano espíritu laico ) y sobre todo los que garantizan la libertad de pensamiento .
¿Acaso no han querido callar al Papa y evitar que proclame su doctrina ?. Algo insólito pero real . Y es que algunos han dejaco bien a las claras cual es su concepto de libertad . Sin embargo, parece evidente que la agresividad esconde miedo . Y en efecto, la escena de cientos de miles de jóvenes de todas las naciones y culturas aclamando a un anciano convertido en líder espiritual del mundo demuestran que esa llama está viva, tiene futuro y -una vez más - nadie podrá detenerla .

  Julián Marías escribió que el odio a la verdad contenía el germen de la destrucción del nuevo siglo . La verdad puede albergar dudas, vacilaciones, errores u oscuridad, pero el odio es la postura más radical .
  Los millones de jóvenes, hombres y mujeres, que protagonizan la JMJ  tienen sed de verdad . Ahí reside el núcleo del misterio, del milagro de tantos corazones encendidos que sin dudan escandalizan a la correción política .
  El camino es difícil - tal vez una cruz - pero tiene sentido. Y con la luz de la razón podemos recorrer con espíritu libre ese camino .
  La conclusión final es sencilla : No tengamos miedo sino esperanza . La libertad y la verdad merecen la pena .

martes, 16 de agosto de 2011

APUNTES DE PENSAMIENTO CONSERVADOR

 

El mundo cambia , al ritmo de la tecnología y la globalización a pasos agigantados …las viejas ideas a veces vacilan y el vértigo de los cambios deja a las personas sin modelos ni referentes ..¿ acaso lo que sirviera ayer hoy debe ser dejado sin más en el desván de los objetos perdidos ¿.
  La crisis parece evidente aunque su reiteración conduce a la nada o al vacío de los indignados ( causa sin alternativa ni raíz ): ¿ acaso cada época no ha tenido sus crisis que en su momento parecieron graves o incluso trágicas ¿

   Y sin embargo la añoranza de valores firmes y positivos, la ausencia de modelos a los que se pueda admirar y emular y la necesidad de mantener un criterio por encima de los vaivenes temporales caracterizan buena parte de las angustias de muchos de nuestros contemporáneos .
   Hay que hace un esfuerzo en el pensamiento porque sólo desde la razón y las ideas se puede aspirar a buscar un sentido a la acción social y política e incluso al rumbo de la propia existencia .
   ¿Cómo sentar las bases – en este mundo amenazado por múltiples riesgos pero a la vez propulsado por formidables avances técnicos y económicos – de un nuevo y auténtico pensamiento conservador .
    El secreto del  neo - conservatismo reside, en suma, en saber conocer en cada tiempo lo que es permanente y lo que es mudable.
El compromiso del intelectual - el que lanza al debate las ideas, conceptos y principios que luego servirán al ejecutor de la política concreta - y del artista creador tiene poco que ver con la ganga propagandística que suele acompañar a tales términos. Es la hora de romper ese falso" compromiso" para apostar por una auténtica misión que de cara al siglo XXI ha de residir en la libertad, la verdad y la esperanza. Y con la libertad la responsabilidad, como escribiera Cervantes en frase certera: "Y he de llevar mi libertad en peso sobre los propios hombros de mi gusto " .
  Las masas – como previera Ortega y Gasset – se han rebelado, pero curiosamente lo han hecho de forma caótica y han transformado el horizonte vital en algo muy superficial, incapaz de proporcionar sentido y felicidad . Es hora por tanto de dar la vuelta a esta rebelión de las masas para retornar al principio del esfuerzo, el mérito, la capacidad y la belleza. Probablemente los viejos conceptos de la derecha, el centro y la izquierda se estén revelando más obsoletos a cada instante. ¿Acaso no nos asalta a menudo la duda cuando no la decepción ¿. La gestión es fundamental en la política moderna y el respeto a la libertad profunda del ser humano su núcleo más relevante . Pero será cierto que las ideas y los valores se han arrumbado ¿.
  Sin embargo, el crepúsculo de las ideologías adivinado por Gonzalo Fernández de la Mora , no tiene forzosamente que concluir en la negación de las ideas y los criterios . La óptica neoconservadora ha de partir de tres núcleos fundamentales :
-El compromiso ineludible con la libertad en todos los lugares del mundo . Es decir, un sistema político que garantiza la libre expresión , el desarrollo económico y la paz entre las naciones . No puede haber dobles discursos o dejación de responsabilidad y la primera consecuencia es la lucha decidida contra el terrorismo internacional, la nueva forma de guerra mundial en el seiglo XXI.
- El respeto a la esencia y a la peculiaridad de cada lugar es compatible con unos principios que precisamente por ser conservadores, han de ser flexibles , es decir, naturales .Y sobre esta base, la acción política ha de basarse no en la demagogia, sino en la eficacia, no en las proclamas, sino en los resultados .
- La seguridad de las naciones es un elemento básico para salvaguardar la libertad y el progreso . Ambos conceptos no se regalan, son costosos, exigen sacrificios .
   Eugenio D'Ors ("Principios de política de misión") recogía en hermoso lenguaje algunas de estas ideas clave que tal vez debieran ser repetidas y aprendidas y practicadas en la medida de lo posible por los altos cargos de los partidos políticos, sobre todo cuando poseen responsabilidades de gobierno en cualquiera de las naciones  :
- El espíritu debe redimir a la naturaleza. La cultura debe redimir a la nación.
- La condición óptima para la selección es la jerarquía mediante la excelencia y la igualdad de oportunidades.
- Cada hombre es un servidor. Cada servicio es una dignidad. Cada dignidad es un deber. Cada deber es una técnica.
- Todas las voces han de ser oídas.
- Toda misión ha de tener un carácter universal, no empequeñecedor, sino abierto al horizonte.
- No seguir la opinión pública, sino precederla.
- No servir a un señor que se pueda morir.
  Repensar la alternativa conservadora  es en suma, una de las tareas apasionantes de nuestro tiempo, sobre todo para los que piensan – desde Parménides – que el movimiento, la renovación, el avance , la aventura , el descubrimiento , la complejidad, la libre empresa ,  el desarrollo, la reformas …precisan de un núcleo vital firme y seguro . Es decir, conservador en el sentido filosófico del término .
  Y como señalara Julian Marías : "Que por mí no quede " . Que por nosotros no quede.

martes, 9 de agosto de 2011

Jesucristo en el cine . JMJ 2011








CRISTO EN EL CINE
FERNANDO ALONSO BARAHONA

  La Jornada Mundial de la Juventud  (  http://www.madrid11.com/  )   supone un encuentro con la fe a través de la palabra del Papa Benedicto XVI. El arte, la cultura y el cine han servido con talento asimismo al núcleo del cristianismo : El Hijo de Dios hecho hombre .
 He aquí las mejores películas sobre la vida y la obra de Jesus de Nazaret


REY DE REYES
The King of  Kings
Producida y dirigida por Cecil B. De Mille
Guión : Jeanie Macpherson
Fotografía : J.Peverell Marley .
Dirección artística : Mitchell Leisen
Con H.B.Warner (Jesús ) , Dorothy Cumming (María ) , Ernest Torrence (Pedro ), Joseph Schildkraut (Judas Iscariote ),  James Nelly (Jaime ),  Joseph Stryker (Juan ), Jacqueline Logan (María Magdalena ),  Julia Faye (Marta ), Montagu Love (Centurión ), Robert Edeson (Mateo ).

   
      Una de las más famosas películas de la historia del cine mudo, su impacto solo sería igualado casi tres cuartos de siglo después por Mel Gibson  y “The Pasión “. En ésta última la gente contempla las desgarradoras imágenes en un acto de contrición que ha llegado a provocar conversiones . Lo mismos sucedía en “Rey de Reyes “, estrenada en casi todo el mundo , con subtítulos en 27 idiomas y que en Méjico, durante la etapa de gobiernos anticlericales, servía a los asistentes como sustituto de la reunión dominical en las templos . La gente se arrodillaba a rezar y en numerosos países del mundo se registraron conversiones religiosas .
  De Mille y el fotógrafo Peverell Marley examinaron cientos de pinturas sobre la Biblia tratando de recapturar la luz y el sentido visual de los grandes pintores; para la escena de la crucifixión , basada en los grabados de Gustavo Doré , se emplearon poderosos arcos de luz , auténticos soles artificiales que produjeron una sensación estética fascinante.   Como décadas después con “The Pasión “, la película de De Mille resultó controvertida y hubo de sufrir ataques de grupos judíos y de algunos crístianos . Hubo de intervenir  el Gran Rabino Alexander  Lyons intervino para defender la obra la obra a la que calificó de “  inspirada y reverente “.

 “Rey de Reyes “ , cinematográficamente, es una de las grandes obras maestras del insigne autor de “Los Diez Mandamientos ·. Cabe destacar en la película :
-         su fidelidad al Evangelio. Todos los subtítulos responden a citas evangélicas.
-         Extraordinario calor pictórico de las imágenes que a veces parecen cuadros vivientes gracias a la excepcional escenografía de Mitchell Leisen .
-         Las primeras secuencias ( la presentación de María Magdalena ) sirven de único contrapunto profano al contenido religioso de la película .
-         La primera aparición de Jesús ( magníficamente interpretado por un solemne H.B.Warner ) , a través de los ojos de un ciego al que acaba de sanar , es uno de los planos más hermosos de toda la historia del cine mudo, a la vez que la manera más original posible de introducir a Jesucristo en el drama de la obra .

“Rey de Reyes “ concluye con una secuencia en color que muestra a Cristo resucitado ascendiendo a los cielos y proclamando su permanente presencia en el corazón del los hombres de buena voluntad .  Tras despedirse de los Apóstoles su figura se recorta en el cielo , el escenario se transforma y se puede divisar los rascacielos símbolo del siglo XX . Pero la leyenda es la misma : “Yo siempre estaré con vosotros “ .

    El cine habría de volver muchas veces a la imagen del Hijo del Hombre, desde el episodio de “Intolerancia “ de Griffith, hasta el “Gólgota “ 1935 de Julien Duvivier .  El Bautismo de Cristo en “La historia más grande jamás contada “ de George Stevens , el sermón de la Montaña en “Rey de Reyes “ de Nicholas Ray o la imagen de Robert Powell predicando en “Jesús de Nazaret “ de Franco Zeffirelli,  son hitos en la visión fílmica de Jesucristo . Pero tal vez, y hasta la llegada de LA Pasión de Mel Gibson, la versión de 1927 , de Cecil B. De Mille  puede considerarse  la mejor película sobre el Hijo de Dios . En cualquier caso, era la que su tiempo necesitaba .












REY DE REYES . (King of Kings ) USA 1960 . director : Nicholas Ray . productor : Samuel Bronston .
Guión : Philip Yordan .
Fotografía : Franz Planer y Manuel Berenguer.
Música : Miklos Rozsa.
Con Jeffrey Hunter (Jesús ), Shioban McKenna (María ) , Robert Ryan (Juan Bautista ), Rip Torn , Carmen Sevilla, Hurt Hatfield, Rita Gam  , Viveca Lindford, Frank Thring , Pepe Nieto, José Sancho, Gerad Tichy .

  La primera gran superproducción de Samuel Bronston en España tuvo una preparación y un rodaje tan titánicos como el resto de películas de la marca Bronston . En un principio el título iba a ser “The man of Nazaret “, y se hicieron pruebas a actores como Richard Burton y James Mason para diversos personajes secundarios .

      El guión de Philip Yordan hace hincapié en el escenario histórico y aunque no deja de tener como núcleo la personalidad divina de Cristo, lo cierto es que la época, las tensiones políticas, la descripción de los Apóstoles, adquieren una importancia superlativa .
  Jeffrey Hunter (Centauros del desierto ) es un digno Jesús . Se aleja de la solemnidad de H.B.Warner e introduce un tono juvenil y cercano , pero siempre dentro de un tono de reverencia que el guión mantiene de principio a fin . La apoteosis , aparte de la Crucifixión , es la magnífica escena del Sermón de la Montaña, muy bien planificada por Nicholas Ray y que resulta impactante y llena de emoción .

  El productor Samuel Bronston , ya afincado en España ,  buscó desesperadamente la bendición papal para su proyecto. Y, por fín, el 8 de marzo de 1960 , el Papa Juan XXIII sancionó favorablemente el guión que le presentaban, firmado por Philip Yordan y el prestigioso escritor católico italiano Diego Fabbri .
  Nicholas Ray , autor de obras maestras como “Johnny Guitar “ y “They live by night “ , se entregó con pasión a la película, y en principio tuvo manos libres para desarrollar sus puntos de vista que pretendían ofrecer una imagen moderna de Jesús . Se trataba de ofrecer un Cristo para los jóvenes, en una época , comienzo de los años sesenta, en que el mundo estaba cambiando aceleradamente. Por otra parte el paralelismo entre la dominación romana y la nazi ( con los judíos como víctimas ) era clara, lo mismo que la dicotomía entre Jesús ( la revolución pacífica ) y Barrabás ( violenta ) .  En una escena fundamental por su contenido político, Barrabás le pide a Judas Iscariote que se una a Jesús para tratar de convencerle que tan solo la acción violenta podrá restaurar el Reino de Israel .
   Todo ello da como resultado una visión muy interesante del escenario de la Judea de la época , y donde además desaparece cualquier mención a una posible responsabilidad de los judíos en la muerte de Jesús. La imagen de Judas se suaviza y Barrabás es un patriota exaltado que lucha por la libertad .
   Ray completó la película logrando infundir emoción ( la aparición de Jesús resucitado en el mar de Galilea ante sus discípulos asombrados )   a la vez que equilibrio entre el  mensaje espiritual y el retrato de las tensiones políticas del período .
Samuel Bronston quiso lanzar de forma espectacular la obra y requirió el apoyo de la MGM . La financiación quedó entonces asegurada, pero a cambio de retocar el guión e incluso volver a rodar algunas escenas ( el encargado fue Charles Walters ).
  “Rey de Reyes “ , cuya narración en voz en “off “ se encargó a Orson Welles ,  se estrenó por fín con éxito y con el apoyo de las autoridades eclesiásticas. Hoy pude disfrutarse como un soberbio espectáculo y como la película sobre Jesús que más ha indagado en el escenario histórico – político en el que el el Hijo del Hombre desarrolló su vida terrena 



LA HISTORIA MAS GRANDE JAMAS CONTADA (The Greatest Story ever told ). USA .1965 . Director  y productor : George Stevens .
Guión : James Lee Barret, George Stevens .
Fotografía : Loyal Griggs , William C. Mellor . Música : Alfred Newman.
Con Max Von Sydow (Jesús ), Charlton Heston (Juan el Bautista ) , Dorothy McGuire (María ), Claude Rains, José Ferrer, Sydney Poitier, Donald Pleasance, Carroll Baker, Pat Boone, Van Heflin, Shelley Winters, Sal Mineo , Telly Savalas, Angela Lansbury  , David McCallum, John Wayne .



       Un empeño espectacular producto de la fe y el entusiasmo de George Stevens .  Ningún medio se dejó de tener en cuenta para poner en marcha un proyecto que quería estar a la altura de la historia narrada . La ampulosidad, el desfile de estrellas, el estilo mayestático y solemne eran artificios para poner en primera línea la magnificencia del Mensaje de Cristo . Max Von Sydow, entonces famoso por su colaboración con Ingmar Bergman (El séptimo sello, , Los Comulgantes ) aporta el toque de solemnidad a Jesús, muy en la línea del Rey de Reyes de De Mille . La originalidad de Stevens consiste en el reparto de lujo, donde podemos encontrar a Claude Rains, Shelley Winters, Sydney Poitier, José Ferrer e incluso a John Wayne dando vida al centurión que atravesó con una lanza el cuerpo de Cristo . Stevens quisó personificar en el carisma de Wayne la visión de la autoridad romana y con ella su conversión final : “  verdaderamente este hombre era el Hijo de Dios “. Pero quien roba protagonismo a todos es Charlton Heston que interpreta a Juan el Bautista lleno de vida y vigor y que roba el protagonismo a todos los que comparten escena con él  hasta la desaparición del personaje . No en vano , el Bautismo de Cristo, de manos de Juan , es uno de los instantes de mayor emoción de la película .

  El rodaje tuvo lugar en Arizona , y el Rio Jordán fue el Colorado, aguas tremendamente frías que hicieron a Charlton Heston escribir en sus memorias :  “Si el Jordán hubiera tenido el agua tan helada como el Colorado, dudo que la Cristiandad hubiera llegado a sobrevivir “

  “LA historia más grande jamás contada “ se estrenó el 15 de enero de 1965 no obtuvo el éxito esperado, y su visión solemne y respetuosa no pudo romper la barrera cultural de unos agitados años sesenta . Sin embargo ha mejorado con el paso del tiempo y hoy se puede contemplar como un esfuerzo monumental de sus autores y como una película reflexiva , serena , que se acerca al Misterio de la divinidad y ofrece suficientes claves para que el espectador pueda penetrar en él . George Stevens quiso una imaginería grandiosa ( el director de fotografía era nada menos que Loyal Griggs, responsable de “Los Diez Mandamientos “ y “Raíces profundas “, , para que el espectador sintiera una sensación similar a la que se experimenta al penetrar en una gran catedral . Tal vez el intimismo espiritual quede a veces relegado, pero la película impresiona y la gran  interpretación de Max Von Sydow ayuda no poco a lograr el efecto .  Heston recuerda las firmes convicciones cristianas de George Stevens y el total apoyo que la United Artists prestaba al proyecto .
  Toda esta fuerza se percibe en la película , en tanto que el desfile de actores conocidos, lejos de desvirtuar las intenciones , otorga a los personajes el máximo de su capacidad .
  Al igual que en “Rey de Reyes “, la crucifixión posee una belleza pictórica sobresaliente , lo mismo que la Resurrección   en la que Max Von Sydow alcanza una imagen muy similar a la de H.B.Warner en el “Rey de Reyes “ de Cecil B. De Mille .
   En su tiempo no fue comprendida, pero hoy “La historia más grandes jamás contada “, vista en su versión restaurada es un soberbio espectáculo cinematográfico .



EL EVANGELIO SEGÚN SAN MATEO
 Italia . 1964 . Director : Pier Paolo Pasolini . guión : Pier Paolo Pasolini
Con  Enrique Irazoqui (Jesús ), Margheritte Caruso , Susana Pasolini, Marcello Morante . 



     La más polémica y sobrevalorada de las películas sobre Jesús de Nazaret . Pasolini, marxista heterodoxo, huyó a propósito de la estética hollywoodense y optó por una visión distanciada , neorrealista, desdramatizada del relato evangélico . El resultado un film irregular, muy frío en el que casi nunca se llega a conectar con la narración, hecho al que no es ajeno la elección de un actor desconocido e inexpresivo, Enrique Irazoqui  para interpretar al Hijo de Dios .
Los versículos del Evangelio se recitan casi íntegros, pero a veces parecen la lectura de un sermón dominical, sin que las imágenes posean en ningún momento la capacidad de conmover.

    Pasolini fue siempre un hombre complejo. Inquieto,  homosexual, culto y brillante , experimentó en su vida tremendos desgarros  que se dejan entrever en películas como “Pocilga “  o en su trilogía del placer : Las mil y una noches, El Decamerón, Los Cuentos de Canterbury , que tienen su contrapunto brutal en el tremenda “Saló o los 120 días de Sodoma “.  Pero Pasolini se sintió fascinado por el cristianismo, durante años preparó una película sobre San Pablo , en tanto que “El evangelio según San Mateo “ llenó de controversia las tertulias y cine forum durante los años sesenta y setenta . El esfuerzo de Pasolini es válido, su visión de Cristo es descreída pero trata de acercarse a la Humanidad y encontrar un sentido de revelación en las revolucionarias palabras de Jesús . Las imágenes de la película huyen de toda espectacularidad, parecen rodadas en aldeas italianas y ninguno de los protagonistas presenta el menor atractivo . Es como un sermón neorrealista , un docudrama en el que un hombre recita unas palabras llenas de contenido. Pasolini buscó para las imágenes una inspiración pictórica basada en los cuadros de Della Francesca, y acompañó las diversas secuencias con música clásica , el único elemento solemne de la película .
  Curiosamente, esta película casi agnóstica fue elegida por muchos críticos católicos de la época como visión moderna de Cristo, contraponiéndola a lo que ellos llamaban “ vano esplendor de Hollywood “ o cine de “ estampa “ ( en el que incluían obras maestras como “La Señora de Fátima “ de Rafael Gil o el Jesús de George Stevens ). Sin embargo, y aunque haya rasgos loables en “El evangelio según San Mateo “, la ausencia de espíritu se percibe y anula las posibilidades del experimento. Jesús no pudo ser el protagonista de Pasolini, un hombre gris y casi siempre con el semblante enfadado . Y la luz del espíritu hubo de iluminar lo que al fín y al cabo era un “ reino que no es de este mundo “. Además, de forma muy ideológica, Pasolini no muestra a Jesús encargando las llaves del Reino a Pedro . Para el autor, su acercamiento a Cristo no incluye a su Iglesia .
Pese a todo, un film interesante  y lleno de aristas sugerentes .




EL MESIAS . Italia . 1975 . director : Roberto Rossellini .
Guión : Roberto Rosellini .Silvia D. Amico . Fotografía : Mario Montuori . Música : Mario Nascimbene .
Con  Pier M. Rossi (Jesús ), Mita Húngaro (María ), Carlos de carvalho (Juan Bautista ), Fausto di bella, Antonella Fassano , Jean Martín .



     Fría, objetiva, rigurosa . Roberto Rossellini, fiel a los postulados neorrealistas ofreció  su particular visión del Hijo del Hombre .  Narración fría pero con más empaque que la versión de Pasolini , sin embargo peca del mismo defecto que aquella, su distanciamiento , su lejania, algo impensable en una historia como la que cuentan los Sagrados Evangelios .
  El reparto compuesto por actores semiprofesionales, no ayuda a la identificación de los protagonistas , pareciendo todos ellos demasiado  distantes del corazón del espectador .

   Rossellini  había filmado años antes “Los hechos de los Apóstoles “, con San Pablo como protagonista  . Desde su herida en Damasco que le hace recobrar la fe hasta la organización de la Comunidad cristiana y sus viajes, siempre con el ansía de llevar la palabra de Dios a todos los confines del mundo .

   El Cristo de Rossellini es el Cristo de la Palabra ( Al principio era el Verbo ) , de su Palabra brota la fuerza interior y ese mensaje de trascendencia se expande por el mundo ofreciendo la esperanza . Apenas hay acción en “El Mesías “, tan solo imágenes desnudas  y el flujo de una palabra , de un verbo capaz de cambiar la historia del mundo .

  En muchos aspectos Rossellini se acerca al evangelio según Pasolini, aunque ahora la película está rodada en color y con una estética aunque sencilla más espiritual ( recordemos “San Francisco, juglar de Dios “, otro film religioso de Roberto Rossellini, sencillo pero veraz ) . Además los personajes presentan maquillaje moderno, aportando una frescura al escenario que indudablemente se convierte en cercanía narrativa .  Rossellini parte de presupuestos ideológicos distintos a Pasolini, en toda la obra del autor de “Te querré siempre “ y “Alemania año Cero “, late una profunda sed religiosa, aunque casi nunca se traspasan las puertas del misterio de la fe .
  La visión de los films sobre la vida de Cristo dice mucho acerca de la postura personal del realizador . De Mille era un cristiano convencido y practicante , como lo fue George Stevens , Zeffirelli y Mel Gibson son católicos activos  . Scorsese fue católico y la influencia de la religión se extiende por su obra, aunque su postura personal se haya alejado de la fe inicial. Nicholas Ray es agnóstico aunque aspira a la posibilidad de una redención . Rossellini es un artista de inspiración cristiana pero de fe oculta, en tanto que Pasolini quiere acercarse a una fe que aprendió de niño pero que se ha desgarrado con los avatares de la vida .



  “El Mesías “ se rodó como programa de TV y su audiencia no resultó excesiva . Con todo, es una película interesante , toda una traslación del credo neorrealista a una historia que , en verdad, habría de trascender los moldes de la realidad y cambiar la historia del mundo .  La escena de la Crucifixión se aleja del realismo, en tanto que la Resurrección aparece de forma simbólica como expresión del nuevo Mensaje de esperanza que el Hijo de Dios ha querido lanzar a la Humanidad .




 








JESÚS DE NAZARET . Italia- Inglaterra. 1973 . director : Franco Zeffirelli .
Productor : Sir Lew Grade.
Con Robert Powell (Jesús de Nazaret )  ,   Olivia Hussey (María ) , Anne Bancroft (María Magdalena  ), Ernest Borgnine, James Farentino , James Mason, Valentina Cortese, Anthony Quinn, Fernando Rey, Donald Pleasance, Rod Steiger, Peter Ustinov, Michael York , Stacy Keach ,  Ian Holm , Laurence Olivier .

  Franco Zeffirelli, hombre creyente  , volcó lo mejor de sí mismo en esta película emblemática, tal vez la más ortodoxa de cuantas versiones sobre la vida del Hijo de Dios se han realizado .
   Planteada como una superproducción televisiva de casi cinco horas de duración ( pero después estrenada en salas de cine ), Zeffirelli acierta con la elección del protagonista, Robert Powell en el papel de su vida, y aún alejándose de la estética típica de Hollywood, logra un estilo personal, cálido, en el que se percibe el amor con que se rueda cada una de las escenas ( destaca la Resurrección , un momento transido de esperanza y muy bien reflejado en la pantalla ).
  Como en “La historia más grande jamás contada “ el reparto vuelve a ser de lujo, y podemos encontrar a James Mason , Ernest Borgnine, Fernando Rey, Anthony Quinn , Peter Ustinov , Olivia Hussey ( espléndida María )  o al gran Laurence Olivier . El tono pausado de la puesta en escena se compensa con un hábil montaje, una magnífica fotografía y una banda sonora penetrante y emotiva.
    El proyecto ocupó dos años de la vida de Franco Zeffirelli . EL equipo se trasladó a Túnez y Marruecos , con una idea clara y un Zeffirelli emocionado y con el permiso del productor Lew Grade para acercarse al personaje con entera libertad .  Para el autor, Cristo era un judío , un profeta que  creció en el terreno cultural , histórico y social de Israel.
   El proyecto fue avanzando hasta convertirse en todo un núcleo de exploración religiosa para Franco Zeffirelli . En la Navidad de 1975 es recibido por Pablo VI que bendice la película . A partir de ese instante el rodaje de “Jesús de Nazaret “ se convierte en una experiencia titánica , con un reparto de lujo internacional, escenarios difíciles,  y una idea clave : Un Cristo humano, cercano a los hombres, uno de ellos . Pero a la vez la esencia de la divinidad que cubre y trasciende la carne y la sangre del Hijo de Dios .
  Las escenas del Templo cuando el Sanedrín se reunión, encabezado por Caifas , para juzgar a Cristo, son impresionantes , también la crucifixión . Toda la película transcurre de un modo pausado, espiritual que logra enroscarse en el corazón  del espectador. Zeffirelli –que declaró inspirarse en el Gólgota de Julien Duvivier – se fija en el Cristo humano, pero sus imágenes son estéticas , a veces muy elaboradas, otras realistas ( la descripción de la dura vida de los judíos de la época ) . Y es que el modelo de Zeffirelli no es Pasolini ni siquiera Rossellini, sino el mucho más colorista y barroco Luchino Visconti .
 “Jesús de Nazaret “ se emitió como programa de televisión en la Pascua de 1976. El éxito fue espectacular ( se calcula que en Italia el 80 por ciento de los italianos vió las emisiones ), y el impacto sobresaliente . En su mensaje del Domingo de Ramos, el Papa Pablo VI puso a la película como ejemplo del “ magnífico uso que puede hacerse del nuevo medio de comunicación que Dios ofrece al hombre “.

  “Jesús de Nazaret “ permanece como una de las mejores aproximaciones a la vida de Cristo, todo un monumento de fe y trabajo bien hecho que dio la vuelta al mundo y sirvió para acercar el mensaje de los Evangelios a la sociedad de su tiempo .







LA ULTIMA TENTACIÓN DE CRISTO (The last temptation  of Christ ) USA . director : Martín Scorsese . guión : Paul Schrader. Fotografía : Michael Ballhauss . Música : Peter Gabriel .
Con Willem Dafoe (Jesús ), Harbey Keitel, Bárbara Hershey, Harry Dean Stanton , David Bowie .


     Fue el mayor fracaso artístico de  Martín Scorsese, pese a la campaña de polémicas que envolvió su lanzamiento y estreno .  el guión es de Paul Schrader, notable director (Hardcore, Mishima ) y calvinista atormentado que se basa en la novela de Kazantsakis para plantear una duda inquietante : una posible tentación de Cristo, a punto de ser crucificado y que consiste en su abandono de la misión, el alejamiento de la Cruz y el inicio de una vida tranquila en algún lugar apartado del mundo .
  El guión se inspira en la novela dejando a un lado el Evangelio , pero lo que podía haber sido un acercamiento original a la Persona de Cristo ( al fín y al cabo ha habido versiones musicales como “Jesucristo Superstar “ o “Godspell “ o ensayos como “Proceso a Jesús “ de Saenz de Heredia y  “El beso de Judas “ de Rafael Gil ) , se queda en un melodrama frío, con trazos mediocres que en nada revelan el pulso de un gran director como Martín Scorsese.

  Willem Dafoe resulta un Jesús inadecuado, siempre dubitativo o enojado, sin carisma ni capacidad para llevar adelante su Buena Nueva . Ahí reside el error fatal de “La última tentación de Cristo “ , en esa visión alicorta del Hijo del Hombre que es deudora sobre todo de la novela, pero que Scorsese no fue capaz de evitar a la hora de su plasmación en imágenes . De ahí su escasa repercusión aún en su visión heterodoxa, “La última tentación de Cristo “ no logró ni de lejos el impacto y la popularidad que en la década de los setento había obtenido “Jesucristo Superstar “ .

    El escándalo sacudió las exhibiciones iniciales de la película . Bárbara Hershey en el papel de  Magdalena , representa no tanto la tentación del deseo físico , sino la llave que puede llevar a Cristo a una nueva existencia . Todo queda demasiado humano, pero sin la caricia de lo divino . Cristo musitó en lágrimas de sangre que el Padre apartara de sí ese cáliz . Pero Kazantakis y Scorsese enhebran una película sobre la duda, en la que el mismo Jesús duda de su misión y de su persona . Y evidentemente, eso no es el Evangelio .
  Los actores están forzados ( algunos como David Bowuie absolutamente fuera de lugar ) , aunque en ocasiones se palpa el hálito fílmico de Scorsese ( la escena del huerto de los Olivos ) y el habitual talento de un hombre como Paul Schrader . Sin embargo, no resultaron suficiente y “La última tentación de Cristo “ no se convirtió en la visión del Hijo de Dios de los años ochenta , tal y como pudo haber llegado a ser.







LA PASION DE CRISTO 2004
Director : Mel Gibson , con James Caviezel , Monica Bellucci, Maïa Morgenstern

 Mel Gibson arriesgó todo su talento y su fortuna en la producción y dirección de esta película que se acerca sin ambages ni temor humano al misterio central del cristianismo : La pasión , muerte y resurrección de Cristo, el Hijo del Hombre .
Gibson, de firmes creencias católicas al igual que Jim Caviezel narra las  últimas doce horas de la vida de Jesús . Y otorga ,  con la ayuda de su director de fotografía Caleb Deschanel, un tono  duro y sufriente a la imagen, sin eludir los aspectos más realistas y sangrientos de la tortura que sufrió Cristo .
  Si estéticamente la película es extraordinaria, aún en su dureza – y con influencias visuales de Caravaggio y El Greco -  desde el punto de vista fílmico es una obra maestra que se clava como una daga punzante en el corazón del espectador, creyente o no .
  Gibson ha querido presentar la Pasión al espectador contemporáneo, como De Mille o Zeffirelli hicieron en sus respectivas épocas, y al igual que aquellos ha logrado su objetivo obteniendo una gran repercusión en todo el mundo y un insospechado y grandioso éxito comercial . Algo insólito para una historia conocida, muy dura, rodada en hebreo y arameo y sin la menor concesión al gusto contemporáneo . Mel Gibson ha optado por la crudeza de la verdad y ha logrado despertar las conciencias de sus contemporáneos.
La última escena de la película es la resurrección. De forma breve y expresiva  :  se abre la tumba donde está Jesús, Él se levanta despacio hacia la salida, de donde proviene la luz ,  se ve en su mano derecha la herida de los clavos. El Misterio de la muerte se ha tornado Vida . Ahí reside el núcleo de la fe cristiana .

jueves, 21 de julio de 2011

Mujer del Espejo




Mujer despierta,
carmin de labios rojos
abrasando en deseo
la carne .

Mujeres dormidas,
sueños ocultos
que rasgan el alma
silente
con su caricia etérea.

Espejo de mujer
roto en miles de ojos
desnudos
y escrutadores ,
vuelvelos y mira,
voy a cruzar el cristal transparente
para que el sueño
y la vida
despierten juntos  siempre
mujer mágica del espejo .

domingo, 3 de julio de 2011

La mujer de la playa

    

  Para Roberto Andrade había sido una temporada dura pero a partir de ahora las reuniones , el sonido del móvil , las decisiones peligrosas  ... todo quedaba enterrado en la finísima arena de aquella playa de ensueño , quizás el aburrimiento fuera una amenaza pero las vacaciones iban a merecer la pena .   
    El segundo día de su estancia tranquila en la playa se alteró de repente con la llegada de una mujer que se iba a colocar muy cerca de él, justo en la sombrilla que descansaba a su derecha . Roberto se entretuvo mirándola : observó cómo se desvestía con parsimonia hasta quedarse con un diminuto biquini muy ceñido a su cuerpo . Parecía resplandecer con la crema y los rayos del sol . La mujer volvía mojada, con las gotas de agua salada acariciando los poros de una piel que milagrosamente iba adquiriendo su tono moreno a pasos agigantados .
   El día siguiente fue parecido pero más emocionante . Roberto dejó a un lado su lectura de verano – una inocua novelita de pretendida investigación esotérico- histórica – y no perdió un instante su mirada de aquella mujer . Cuando se tumbaba al sol con la espalda desnuda estaba tan cerca de él que casi podía percibir su aliento .
  El tercer día –o el cuarto si contamos el primero  – fue de ausencia y silencio. Y la playa se quedó como vacía y exangue .
     Pero la mañana siguiente, aunque más tarde de lo habitual, amaneció maravillosa . La mujer estaba más atractiva y bronceada , y el biquini , inverosímil , parecía aún más pequeño y ajustado a un  cuerpo de formas rotundas y sensuales .
   Roberto se incorporó de su hamaca y cuando la mujer se disponía a caminar hacia la orilla decidió acompañarla . Los dos solos ante la inmensidad del mar, un azul oscuro que confundía su línea en el horizonte con el suave azulado de un cielo límpido, desnudo de nubes y de viento .
  Era el tiempo de iniciar la conversación, pero ella altiva y orgullosa se adelantó : “ Esta noche cenaremos en el chiringuito de la playa “ ....

    Roberto Andrade asintió sin dejar de contemplar a su Belén   que había cerrado los ojos para no ser deslumbrada por el sol . Después suspiró profundamente , ¿ quien había dicho que no eran posibles las fantasías con la que desde hacía mucho tiempo era su  mujer ¿